Dass dem Solisten sein eigenes Stück aus dem „Herzen“ spricht liegt nahe, zumal Rothbrusts reiche Erfahrungen als Interpret sich in seiner kompositorischen Arbeit widerspiegeln. Seine Werke beruhen gerade nicht auf theoretischer Auseinandersetzung und technisch-struktureller Vorprägung. Zwar sind ihm durch seine Schauspiel- und Ballettmusiken konzeptionelle Vorüberlegungen nicht fremd, das Komponieren am Schreibtisch hat er aber auf später verscho-ben. Seine Solostücke entstehen vielmehr aus der Improvisation heraus, und im Falle des heute zur Uraufführung gelangenden so low waren tiefe Trommeln der inspirative Ausgangspunkt. Das Instrumentarium ist somit reduziert, das klangliche Potenzial dafür umso stärker erweitert – wobei es Rothbrust weniger um dröhnende Kraftentfaltung als um subtile Zwischentöne geht. So fokussiert er etwa unterschiedliche Wirbelgeschwindigkeiten, die den assoziativen Bogen vom Marsch bis zur diffusen Geräuschquelle spannen, so macht er gar die Luft im Trommelkessel hörbar. Dass er sich, auch im übertragenen Sinne, auf die Tiefe des musikalischen Raumes konzentriert, kann bereits am Titel abgelesen werden. so low meint aber noch mehr: Nicht nur, dass das „Solo“ darin steckt, auch die Verwandlung in „so lonely“ ist durchaus zulässig – wobei dies wiederum auf die existenzielle Situation des Solisten zurückstrahlt, der ganz auf sich gestellt dem Publikum gegenübertritt.

Egbert Hiller

Uraufgeführt wird im heutigen Konzert auch solo 2 von Marcus Antonius Wesselmann (*1965). Die Geschichte des Stücks reicht bis 1987 und teils noch in die Studienzeit des seit 2000 in Köln ansässigen Komponisten zurück. Seitdem schuf er mehrere neue Versionen, deren letzte in engem Austausch mit Dirk Rothbrust entstand, dem sie auch gewidmet ist. Zentrales Merkmal von solo 2 ist die Spannung zwischen Symmetrie und Asymmetrie, zwischen vordergründiger „Ordnung“ und deren Aufhebung, zwischen linearem Vorwärtsdrang und dessen Aushöhlung mittels „nicht linearer Prozesse“ – eine Spannung, die alle Ebenen des musikalischen Satzes durchdringt. Repräsentiert der durchlaufende 4/4-Takt ein schlichtes metrisches Gefüge, so wird dieses von ungeraden, an der Zahl 17 orientierten Proportionen unterminiert. Die 17 kehrt auch im Verhältnis 7:3:5:2 wieder, das sich sowohl großformal in den unterschiedlichen Längen der vier Abschnitte des Werks als auch auf kleinstem Raum, etwa in der Platzierung von Sforzato-Schlägen, abzeichnet. In sich ist das konstruktive Gerüst zwar stringent, die Strukturen sprechen für sich selbst, dennoch weisen sie über sich hinaus, indem sie sich im vielschichtigen Klangbild „verlebendigen“. Gegensätzliche Instrumentengruppen unterstreichen diese Komplexität noch. Mal tritt die eine, mal die andere hervor, und auch scheinbar Nebensächliches rückt plötzlich ins Zentrum der Wahrnehmung. Diese Struktur vergleicht Wesselmann mit einer berühmten Szene aus Alfred Hitchcocks Film Der unsichtbare Dritte, in der ein Flugzeug, das zunächst nur im Hintergrund zu sehen ist, zur massiven Bedrohung für die Hauptfigur gerät. Semantisch aufgeladen oder „Programmmusik“ ist sein solo 2 aber nicht im Mindesten – auch wenn Vereinzelung und Kettenbildung an Reflexionen über Individuum und Gemeinschaft gemahnen oder eine Triller-pfeife auf dem Höhepunkt der Verdichtung Tumult und Aufruhr signalisiert.» top

Egbert Hiller

Den zwei Uraufführungen gegenüber steht mit Helmut Lachenmanns interieur (1966) ein Klassiker der Schlagzeug-Literatur. Er komponierte es im Vorgriff auf sein Konzept eines „instrumentalkonkreten Klangkomponierens“ („musique concrète instrumentale“). Darin zielte Lachenmann nicht nur auf künstlerischen Selbstzweck, sondern auch auf gesellschaftliche Wirkung, identifizierte er sich doch nach eigenem Bekenntnis in den späten 1960er-Jahren mit den Studentenprotesten. Zwar kommen die Wechselwirkungen zwischen tiefgründiger Geräuschanalyse und „reinem“ Ton sowie die Befreiung des bis dato klanglich Tabuisierten beim Schlagzeug – aufgrund der per se größeren Nähe zum Geräuschhaften – nicht so stark zur Geltung wie bei anderen Instrumenten; gerade dadurch aber geriet es zum Versuchsfeld „instrumentalkonkreten Komponierens“.
Zudem ist laut Lachenmann die psychologische Spielsituation in interieur zum formbildenden Prinzip erhoben: „Die terrassenartige Aufstellung der Instrumente in Hufeisenform um den Spieler verschafft nicht nur diesem, sondern zuvor dem Komponisten selbst, einen charakteristischen Spiel-Raum, der sich auf vielfache Weise ausleuchten lässt. Form ergibt sich als mehrschichtiger Abtastungsprozess von gleichzeitigen Anordnungen und daraus resultierenden Beziehungen der Klangcharaktere und/oder der Spielaktionen.“
Und daraus entfaltete sich, wie Christoph Caskel, der Interpret der europäischen Erstaufführung vom 22. August 1967 bemerkte, „eine Musik, in der die Farben und Rhythmen der Schlaginstrumente nicht (wie sonst so oft) mit einer gewissen Beliebigkeit aufeinander folgen, sondern in der sie zwischen dem einzelnen Klang und dem ekstatischen Ausbruch den Hörer die Ent-Wicklung und Fortspinnung miterleben lassen.“» top

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Benötigt Lachenmanns interieur einen großen Aufbau, so ist Frederic Rzewskis to the earth besetzungstechnisch extrem reduziert. Im Gegenzug verlangte der amerikanische Komponist und Pianist (*1938) jedoch einen „sprechenden Schlagzeuger“, denn die Rezitation eines Textes ist unmittelbar einbezogen. Dabei handelt es sich um eine „(pseudo-) homerische Hymne“, die, so Rzewski, „wahrscheinlich im 17. Jahrhundert verfasst wurde“ und die Bedeutung von „Mutter Erde“ als Lebensspenderin preist. Musik und Worte sind strukturell eng verknüpft, da die „Begleitung“ strenger periodischer Gliederung unterworfen ist.
Angeregt wurde to the earth von dem Schlagzeuger Jan Williams, der Rzewski um ein Werk mit leicht zu transportierendem Instrumentarium bat. Aus mehreren Gründen entschied er sich für (vier) Blumen- bzw. Tontöpfe: Faszinieren ließ er sich zum einen von der Beschaffenheit des Materials, dessen chemische Eigenschaften im Grenzbereich zwischen organisch und anorganisch angesiedelt sind; zum anderen überzeugte ihn der „wunderschöne Klang“. Und noch etwas kam hinzu: „Nahezu überall, wo das Stück gespielt wird, kann man sie kaufen und muss dafür nur ungefähr einen Dollar bezahlen“, meinte Rzewski, der den „flower pots“ zudem noch einen symbolischen Wert beimaß. Nicht nur, dass die Verbindung zum Text offenkundig ist, da sie eigentlich mit Erde gefüllt werden, sondern er fasste ihre Fragilität auch als Metapher für den Zustand auf, in den „Mutter Erde“ durch die zerstörerischen Aktivitäten des Menschen geraten ist.» top

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Eine Generation jünger als Rzewski ist der 1957 in Los Angeles geborene Komponist David Lang. Wie Rzewski ist auch er von der Minimal Music beeinflusst – wobei seine Kompositionen von stilistischer Offenheit, auch gegenüber Rock- und Pop-Elementen, geprägt sind. Sein Auftraggeber war der Schlagzeuger Steve Schick, der the anvil chorus 1991 im Rahmen der von Lang mitbegründeten New Yorker Gruppe „Bang on a Can“ uraufführte. Ein zentraler schöpferischer Impuls für das Werk war, nicht auf „Hochglanzklänge“ zu setzen, sondern das Schlagzeug in den Kontext des wirklichen Lebens zu stellen: „Ich wollte keine schönen Instrumente wie Vibraphon oder Glocken benutzen, die erfunden wurden, damit die Schlagzeuger kultiviert mit anderen Musikern zusammenspielen können. Ich wollte vielmehr ein Stück schreiben, das den Hörer an die glorreiche Geschichte des ’Schlagwerks’ erinnert – daran, dass der Mensch von jeher auf Dinge schlug, weil sein Beruf das erforderte.“
Welche Profession läge da näher als das Schmiedehandwerk. Lang ließ sich von der mittelalterlichen Technik inspirieren, durch das Singen bestimmter Lieder das Schlagen mehrerer Schmiede auf einen Amboss (anvil) rhythmisch zu koordinieren. In diesem Sinne legte er eine Art Melodie zugrunde, die the anvil chorus durchzieht und ein reizvolles Spannungsfeld zu archaischer Schnörkellosigkeit und stoischem Druck aufbaut. Dass sich mit dem Stück der Kreis zu Dirk Rothbrusts eigenen Erfahrungen als Sohn eines Schmiedes schließt, war gewiss ein Grund mehr, es ins Programm des heutigen Konzerts aufzunehmen.» top

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